Astor Piazzolla | Complete Guitar Music

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Astor Piazzolla (1921-1992)
Complete Guitar Music
CD Stradivarius 33715 (2006)
Matteo Mela / guitar
Per Arne Glorvigen / bandoneon
Lorenzo Micheli / guitar
Ivan Rabaglia / violin
I Solisti di Parma / strings

Recording: Villa Viani, Italy, 2-3 July 2003; Palazzo Pignano, Italy, 18th November 2004
Recording & Editing: Roberto Chinellato
Liner Notes: Lorenzo Micheli

Tango Suite for two Guitars
01. Tango no. 1. Allegro
02. Tango no. 2. Andante rubato, melanconico
03. Tango no. 3. Allegro
Histoire du Tango for Violin and Guitar

04. Bordel 1900
05. Café 1930
06. Night-Club 1960
07. Concert d’aujourd’hui

Cinco Piezas for Guitar
08. Campero
09. Romántico
10. Acentuado
11. Tristón
12. Compadre

Double Concerto “Hommage à Liège” for Guitar,Bandoneon and Strings
13. Introducción
14. Milonga
15. Tango

Liner Notes
Speaking about Astor Piazzolla, cellist Yo-Yo Ma said a few years ago: “Piazzolla’s tango no longer belongs to Argentina exclusively – it has become international music in a genuine sense.”
This telling statement points out the extraordinary success and celebrity that the Argentine composer achieved in the last fifteen years of his life. Yet, there are not many figures in the history of twentieth-century music that can be associated with a specific place so much as Piazzolla – Argentine by birth, Italian by origin, cosmopolitan by inclination, but tied inextricably to Buenos Aires. Today, for most people, Piazzolla (born in 1921 in Mar del Plata, 250 miles south of the Argentine capital), Buenos Aires and the tango are the same thing, and they all merge into one charming mental picture.
Piazzolla’s father, a restless and enterprising man, moved to New York with his whole family in 1925. During his New York City years (the Piazzollas remained there until 1937), the young Astor had his formative musical experiences: first, he listened to jazz – picked up from the radio and the streets – and second, to Jewish music, which he had the chance to hear in the East Village (as Astor would say some sixty years later, “My rhythmic accents” – that is to say his peculiar way of dividing a measure of 4/4 into groups of 3+3+2 quavers – “are similar to those of the Jewish popular music I heard at weddings”). Then he received from his father his first bandoneon. This odd instrument, a box with seventy-one buttons, somehow related to the accordion, was invented in Germany around 1830. It was first brought by European immigrants to Argentina, where it soon replaced the accordion in tango ensembles. Two more figures of primary importance left their indelible mark on the personality of Piazzolla during the New York period: the Hungarian pianist Bela Wilda, a student of Rachmaninov who introduced Piazzolla to the treasures of classical music; and Carlos Gardel, the legendary tango singer, the idol of crowds in Buenos Aires and Paris. Gardel immediately took a liking to the young bandoneon player, to whom he gave a tiny part in one of his New York movies. He also asked Piazzolla to go with him on tour around the Caribbean; but Astor’s father, although a big Gardel fan, refused to give the fourteen-year old permission to leave. Three months later, in June of 1935, Gardel’s airplane crashed on the airfield at Medellín.
It was upon returning to Mar del Plata, in 1937, that Piazzolla first realised he wanted to be a tango musician. Around that time, he was greatly inspired by the music of Elvino Vardaro, Julio de Caro, Aníbal Troilo, all of whom he was listening to on the radio. These musicians were part of the “evolutionist” tendency in tango music, and their innovative way of making music – with new sophisticated arrangements and an imaginative use of harmony and counterpoint – was opposed to the “traditionalists”, headed by Juan d’Arienzo. Along with the decision to become a tango musician coincided another fundamental resolution: in 1939, Piazzolla left Mar del Plata and settled down in Buenos Aires, where he soon joined Troilo’s band as bandoneonist and arranger. At the same time, Piazzolla became a pupil of Alberto Ginastera, a rising composer who was then in his middle twenties. The composition and counterpoint lessons went on for the next five years. Astor could not help putting what he was learning from Ginastera into his tango arrangements, despite the fact that many considered his innovations too bold. Thus, in 1943, Piazzolla and Troilo broke up. Piazzolla’s musical background and personality was driving him toward a different idea of tango: a kind of music to listen to, not a danceable kind of music (hence the violent hostility of the traditional tango fans). In order to carry out his musical ideas, he set up his first band, the Orquesta Típica de Astor Piazzolla. In the same period he also began writing film music, which was to be a constant in his career for the next forty years (one of his most celebrated pieces, Oblivion, was conceived in 1984 for the score of the movie Enrico IV by Marco Bellocchio). His restlessness, though, did not seem to be abating. He felt an inner urge to move on, to study in depth, to know more. Piazzolla was experiencing a sort of disaffection from the tango world. He was composing chamber works and symphonic music, and his admiration for such composers as Bach, Bartók, Berg, Brahms, Ravel, and Stravinsky was growing. A turning point in Piazzolla’s life eventually occurred: his three-movement Symphony, Buenos Aires, received first prize at a major composition competition in 1954. The prize was a French government scholarship, which enabled him to travel to Paris. Piazzolla’s guide in France was to be the renowned teacher Nadia Boulanger. Boulanger was the person who managed to reconcile the two split personalities of the Argentine musician. She was able to heal the rift between the tangueiro and the cultivated composer. Upon hearing him play a tango on the piano, Nadia Boulanger exclaimed: “This is Piazzolla! Don’t ever leave it!” Piazzolla, in his later recollections, was always to describe the scene as the ultimate self-discovery. Henceforth, Piazzolla’s bands reflect from time to time his artistic development: among the most important groups are the Octeto Buenos Aires (1955), that marked the beginning of the so-called tango de vanguardia and shocked the conservative audience by including the electric guitar in its line-up; the Quinteto Nuevo Tango (1961), the first of Piazzolla’s two classic quintets; the Noneto “Conjunto 9” (1971); the electronic Octet (1975) and the Sextet (1989).
During the ’60’s and ‘70’s, Piazzolla alternated between concert tours and recording sessions, between film music making and the writing of larger “classical” works (such as the “operita” Maria de Buenos Aires, 1968). Gradually, he spent more and more time in Europe, especially in France and Italy; he lived in Rome from March of 1974 through September of 1975 – a time that saw also his collaboration with saxophonist Gerry Mulligan).
At the end of the ‘70’s, Piazzolla’s success was a phenomenon of worldwide dimension. His music, by now, was constantly taking him on tour, up and down the Atlantic. Even at the height of fame, though, Piazzolla never ceased considering himself a classical composer. In the last fifteen years of his life he wrote some major works, such as the Bandoneon Concerto (1979), the suite Punta del Este (1980) for bandoneon and strings, Le Grand Tango (1982), a large piece for cello and piano dedicated to Mstislav Rostropovich (who was to perform it only eight years later), and Four for Tango (1987), written for the Kronos Quartet.
Among Astor Piazzolla’s works – his output consists of some 3,000 pieces – the group of guitar works is a very significant one, although he didn’t write anything for the instrument until the early ‘80’s. In December of 1980, the Argentine guitarist Roberto Aussel performed three pieces for solo guitar at the Salle Gaveau in Paris – “Campero”, “Tristón”, and “Compadre” – that four years later became part of the cycle known as Cinco Piezas. In March of 1985, Piazzolla took part in the Guitar Festival of Liège, Belgium, with his old friend, guitarist Cacho Tirao (whose technical advice on composing for guitar Piazzolla had always held in great consideration). The two musicians premiered Piazzolla’s brand new Concerto for Bandoneon and Guitar (better known as Hommage à Liège), with the Liège Philarmonic Orchestra conducted by Cuban composer Leo Brouwer. The Concerto was soon performed again in Paris and Montevideo, with Roberto Aussel and Baltasar Benitez on the guitar; according to pianist Pablo Ziegler, it was inspired by the music of William Walton. The Liège Guitar Festival also saw the première of the flute and guitar work Histoire du Tango, in four movements – each depicting a different period and setting of the history of tango. Less than a year earlier, in 1984, Piazzolla had completed his Tango Suite, dedicated to the Brazilian Assad guitar duo, whom he had met and heard in Paris.
Astor Piazzolla’s guitar music employs all of his composing skills: imitations, dissonances, polytonality and atonality, polyrhythms, an abundance and variety of modulations and progressions. Because of the wealth of colours (augmented by the use of percussive effects), the solid formal cohesion, and the perfect balance between the instruments, these pieces can be counted among the most important works in the late twentieth-century guitar repertoire.
At the beginning of the ‘90’s, Piazzolla was planning to write a chamber work commissioned by Rostropovich for cello, piano, guitar and percussion. Unfortunately, he did not have time to accomplish this task; he passed away, after twenty three months of suffering, on July 4, 1992. “I have an expectation: that my work will be listened to in 2020. And in 3000 too”, he confessed in 1990. And it seems likely that the wish of a man who took the tango into the concert halls all over the world will be fulfilled.
Lorenzo Micheli

A proposito di Astor Piazzolla il violoncellista Yo-Yo Ma ha detto qualche anno fa: “Il suo tango non appartiene più esclusivamente all’Argentina – è diventato musica internazionale nel vero senso della parola.” L’affermazione, quanto mai veritiera, riflette l’immensa fortuna e notorietà raggiunte dal musicista argentino negli ultimi quindici anni della sua vita. Tuttavia, poche altre figure nel panorama musicale del Novecento si identificano con un luogo specifico quanto Piazzolla, argentino di nascita, italiano di origine e cosmopolita per vocazione si identifica con Buenos Aires. Nell’immaginario collettivo, Piazzolla (nato nel 1921 a Mar del Plata, 250 miglia a sud della capitale argentina), Buenos Aires e il tango sono una cosa sola, e convergono in un’immagine unica e suggestiva.
La famiglia Piazzolla, dominata da un padre intraprendente e irrequieto, lascia Mar del Plata per New York nel ’25. A New York, dove la famiglia resterà fino al ’37, il giovane Astor fa i suoi primi, determinanti, incontri musicali: prima di tutto quello con il jazz, orecchiato alla radio e per le strade, e con la musica ebraica, ascoltata alle feste di matrimonio dell’East Village (dalla musica popolare ebraica egli dichiarerà, quasi settant’anni dopo, di aver assimilato la sua caratteristica divisione della misura di 4/4 in gruppi di 3+3+2 crome). Poi l’incontro con il bandoneón, donatogli dal padre: lo strumento – un’eccentrica variante della fisarmonica inventata in Germania intorno al 1830, con una forma quadrangolare e 71 pulsanti – fu introdotto in Argentina dagli immigrati europei, e ben presto rimpiazzò la fisarmonica negli ensemble di tango. Altri due incontri fondamentali negli anni newyorchesi sono quello con il pianista ungherese Bela Wilda, allievo di Rachmaninov, che gli dischiude come uno scrigno il mondo della musica classica, e – quasi un segno di predestinazione – quello con Carlos Gardel, il leggendario cantante di tango idolo delle folle sudamericane e francesi. Gardel prova una simpatia istintiva per il giovanissimo bandoneonista: gli procura una piccola parte in uno dei suoi film e lo invita ad accompagnarlo in tournée nei Caraibi. Il padre di Astor, però, nega il suo permesso e impedisce al figlio quattordicenne di partire con Gardel. Pochi mesi dopo, nel giugno 1935, l’aereo con a bordo Gardel e tutto il suo gruppo si schianterà sulla pista di Medellín.
Piazzolla si convince della propria vocazione al tango subito dopo il rientro in Argentina, ascoltando alla radio la musica di Elvino Vardaro, di Julio de Caro, di Aníbal Troilo: musicisti appartenenti alla schiera dei “riformatori” del tango – che portano elementi di novità negli arrangiamenti, nell’armonia, nel tempo, nell’uso del contrappunto – in opposizione ai “tradizionalisti” capeggiati da Juan d’Arienzo. Alla decisione di fare del tango la propria ragione di vita se ne accompagna un’altra, non meno drastica: nel ’39 Piazzolla lascia Mar del Plata per Buenos Aires, dove, nel giro di pochi mesi, entra nella band di Troilo nella duplice veste di bandoneonista e arrangiatore. Quasi contemporaneamente comincia a prendere lezioni di composizione da Alberto Ginastera, allora compositore emergente della scena porteña. Astor non sa fare a meno di riversare nei suoi arrangiamenti, ben presto considerati troppo audaci, le nozioni apprese da Ginastera: e così, nel ’43, la collaborazione con Troilo si interrompe. Piazzolla si sente sempre più vicino a un’idea del tango come musica da ascoltare, non da ballare (e questa posizione gli costerà per tutta la vita l’ostilità fiera e bellicosa dei paladini del tango “tradizionale”). Per tradurre in realtà le proprie idee fonda allora il suo primo gruppo, l’Orquesta Típica de Astor Piazzolla; nello stesso periodo inizia anche a lavorare come autore di musiche da film, un’attività che proseguirà a cadenza regolare nei successivi quarant’anni (uno dei suoi brani più celebri in assoluto, l’elegiaco Oblivion, fa parte della colonna sonora composta nel 1984 per il film Enrico IV di Marco Bellocchio). La sua irrequietezza, però, non sembra placarsi. Il bisogno di studiare, di conoscere, di approfondire si fa più urgente; Piazzolla si sente sempre più lontano dal mondo del tango, cita come autori di riferimento Bach, Bartók, Berg, Brahms, Ravel e Stravinsky e scrive musica da camera e lavori sinfonici. L’evento che rompe l’impasse e segna una svolta è una borsa di studio del governo francese vinta con la sinfonia in tre movimenti Buenos Aires. Grazie ad essa, nel settembre del ’54 Piazzolla approda a Parigi per studiare con la celebre insegnante di composizione Nadia Boulanger. Sarà lei a compiere il prodigio di riconciliare le due personalità scisse di Piazzolla, quella del tangueiro e quella del compositore colto: dopo averlo ascoltato suonare un tango al pianoforte, Nadia Boulanger esclama: “Questo è Piazzolla! Non lo abbandoni mai!”. Piazzolla dipingerà sempre questo episodio come una sorta di epifania, la definitiva scoperta di se stesso. A partire da questo momento Piazzolla fonda gruppi che rispecchiano e assecondano di volta in volta la sua evoluzione artistica: tra i più importanti, l’Octeto Buenos Aires (1955), che segna la nascita del cosiddetto tango de vanguardia e scandalizza il pubblico con l’inclusione nell’organico della chitarra elettrica; il Quinteto Nuevo Tango (1961), il primo dei due quintetti “classici” di Piazzolla; il Noneto “Conjunto 9” (1971); l’Ottetto elettronico (1975) e il Sestetto (1989).
Per tutti gli anni ’60 e ’70 Piazzolla alterna all’attività creativa, concertistica e discografica come solista e in ensemble la stesura di lavori di più ampio respiro (ad esempio l’“operita” Maria de Buenos Aires, del 1968). I soggiorni in Europa si fanno lunghi e frequenti, soprattutto in Francia e in Italia; a Roma egli soggiorna per oltre un anno, dal marzo 1974 al settembre 1975 – un periodo segnato tra l’altro dalla collaborazione col sassofonista Gerry Mulligan.
È con la fine degli anni ’70 che il successo di Piazzolla raggiunge dimensioni planetarie: da quel momento, e fino all’ultimo, la vita del musicista argentino è scandita dalle tournées e dai continui spostamenti da una sponda all’altra dell’Oceano. Anche all’apice del successo, tuttavia, egli non cessa mai di considerarsi prima di tutto un compositore colto, anzi: proprio nell’ultimo quindicennio della sua vita vedono la luce opere importanti come il Concerto per bandoneón (1979), la suite Punta del Este (1980) per bandoneón e archi, Le Grand Tango (1982), un lavoro di grandi dimensioni per violoncello e pianoforte dedicato a Mstislav Rostropovich (che lo eseguirà solo otto anni dopo), e Four for Tango (1987), scritto per il Kronos Quartet.
All’interno del corpus delle opere di Astor Piazzolla – oltre 3000 pezzi, la cui catalogazione precisa è impresa ardua e non ancora completata – quello dei lavori originali per chitarra costituisce un gruppo quantitativamente e qualitativamente molto significativo. Bisogna attendere fino ai primi anni ’80, però, perché l’interesse di Piazzolla per lo strumento si concretizzi efettivamente nella creazione di un brano. Nel dicembre 1980 il chitarrista argentino Roberto Aussel presenta alla Salle Gaveau di Parigi tre dei pezzi che, nel 1984, confluiranno nel ciclo dei Cinco Piezas. Nel marzo ’85 Piazzolla è ospite al Festival della Chitarra di Liegi, in Belgio, con l’antico e fidato collaboratore Cacho Tirao, alla cui consulenza tecnica il compositore ricorre nella stesura di molti dei suoi lavori chitarristici: su commissione del Festival, e sotto la direzione del cubano Leo Brouwer, i due musicisti uniscono le loro forze per la prima esecuzione del Concerto per chitarra, bandoneón e archi (denominato, appunto, Omaggio a Liegi). Il Concerto, che secondo il pianista Pablo Ziegler sarebbe ispirato alla musica di William Walton, viene replicato poco dopo a Parigi e a Montevideo, rispettivamente con Roberto Aussel e Baltasar Benítez alla chitarra. È ancora al Festival di Liegi dell’85 che viene eseguita la suite per flauto e chitarra Histoire du Tango, in quattro movimenti, ciascuno dei quali evoca un’epoca e uno scenario della storia del tango. Appena un anno prima, inoltre, Piazzolla ha composto la Tango Suite per il duo brasiliano costituito da Sergio e Odair Assad, che ha incontrato e ascoltato a Parigi.
La musica per chitarra di Astor Piazzolla adopera tutti gli artifici musicali in possesso del compositore: imitazioni, dissonanze, politonalità e atonalità, poliritmia, abbondanza e varietà di modulazioni, progressioni. La ricchezza di colori (accresciuta dall’impiego di effetti percussivi), la profonda coesione formale e l’equilibrio perfetto fra gli strumenti concertanti fanno delle sue opere un caposaldo della letteratura per chitarra del ’900.
All’inizio degli anni ’90 Piazzolla ha in progetto di scrivere un lavoro da camera commissionato da Rostropovich per violoncello, pianoforte, chitarra e percussioni. Ma una lunga malattia e la morte, sopraggiunta il 4 luglio 1992, glielo impediscono. “Ho un desiderio: che si ascolti la mia musica anche nel 2020. E persino nel 3000” ha dichiarato una volta Piazzolla. E la storia della musica, probabilmente, esaudirà il desiderio dell’uomo che ha portato il tango in tutte le sale da concerto del mondo.
Lorenzo Micheli